Deux années après un premier album au succès déjà notable (adoption de morceaux dans des pubs pour marques célèbres et autres jeux vidéo à succès), les français de Hushpuppies sortent « Silence is golden ».

Nous sommes en 2007, le groupe apparait en couverture dans une ambiance classe de dandies rockers, rehaussée par le mannequin poitrine nue de la page forcément centrale de la pochette.

Comme souvent avec ce type de groupe, les débuts sont animés et le rythmé bien qu’un peu trop convenu « A trip to Vienna » n’échappe pas à la règle mais c’est bel et bien avec le musculeux « Lost organ » que Hushpuppies lance bel et bien les propos.

La puissance certes controlée est de mise sur « Moloko sound club » tout particulièrement sur les refrains.

Les français semblent très bien maitriser leur sujet avec « Bad taste and gold on the doors » et comme cela était prévisible il faut attendre « Love bandit » pour rencontrer la première ballade parfaitement insipide du disque.

Irréprochable est en revanche « Down, down, down » avec un long instrumental débouchant sur une belle montée en puissance et c’est dans le registre du dynamisme que s’exprime également « Fiction in the facts » et le plus nuancé « Lunatic’s song ».

Hushpuppies se surpasse sur « Hot shot » remarquable de fluidité et de puissance et le disque prend fin sur « Broken matador » également soutenu et doté de chœurs agréables avant un « Harmonium » aux belles mélodies idéales pour une conclusion.

En conclusion, « Silence is golden » est un album de rock solide réinventant avec habileté les influences de années 60/70 et qui confirmant tout le savoir faire des Hushpuppies en la matière.

Plus adulte, homogène et équilibré que son prédécesseur, il se montre peut être trop cadré et moins inventif que lui.

En effet, le principal défaut qu’on pourrait lui adresser est un certain manque d’audace et des compositions un peu trop copier/coller sans réels signes distinctifs.

Malgré ces quelques défauts sur un relatif manque de personnalité, « Silence is golden » demeure remarquable et fera sans doute le bonheur des amateurs de rock moderne élégant et puissant.

La musique est décidément très à l’honneur ces derniers temps d’inactivité forcée pour moi, aussi est-ce avec une joie non dissimulée que j’aborderais le répertoire d’un des plus grands cinglés de l’histoire du rock n’ roll, le dénommé Screamin Jay Hawkins.

Relativement inconnu du grand public pour cause de censure dans son propre pays, cet afro américain au jeu excentrique qualifié de fou furieux commença par sévir à la fin des années 50 avec un style inimitable composé d’un chant hors du commun et d’un jeu de scène ultra provocateur et macabre faisant penser à du Alice Copper avant l’heure.

Sorti en 1990, « Voodoo jive, the best of Screamin Jay Hawkins » regroupe sur une grosse vingtaine de titres la plus grande partie de l’œuvre d’un chanteur inclassable décédé en France dans des circonstances rocambolesques tout à fait à son image en 2000.

Impossible de ne pas débuter ce best of par le tube incontournable de Screamin Jay Hawkins « I put a spell on you » morceau sensuel et fou ou la voix incroyablement généreuse du chanteur crève littéralement le plafond.

Repris par de multiples stars de la music (dont Joe Cocker, Carlos Santana, Nick Cave et surtout Nina Simone en personne) « I put a spell on you » est un classique irrésistible entré par effraction au panthéon du rock n’ roll.

La formidable énergie de Hawkins se fait sentir sur le classique « Little demon » qui groove furieusement avant de basculer sur une ambiance de délire absolu avec « Alligator wine » et ses incantations fiévreuses sur fond de bruitages de jungle !

Le démon se fait enjôleur et jazzy sur « I love Paris » étonnante déclaration d’amour à la ville lumière et surtout à la vie …

Hurlements et groove déments sur « Person to person » enchainé du redoutable « Frenzy » son rythme sec et nerveux sur lequel se pose la voix fracassante du chanteur.

Plus de souplesse sur « Do you really love me ? » aux entrainants claps des mains avant un retour aux tempos hurlements fatiguant sur le blues lent et trainant « This is all ».

Hawkins replace son groove sur « Just don’t care » remarquablement fluide puis glisse en douceur sur « You made me love you » au rythm n’ blues plus convenu.

« Yellow cat » s’inscrit également dans cette même lignée de titres solidement maitrisés tournant sur la forte empreinte vocale du chanteur.

En toute franchise, c’est le Screamin Jay Hawkins complètement dingue et vociférant que l’on préfère sur le bien nommé « I hear voices » petit bijou de démesure vocale.

Après le rapide et dynamique « Orange colored sky » vient un nouveau blues atone et fatiguant « (She put) wamee (on me) ». La fin du disque se fait alors attendre, avec « Feast of the mau mau » lui aussi un peu trop lent et répétitif, « Move me » aux chœurs attachants bien que trop classiques et le dernier tube du maitre maudit « Constipation blues » morceaux aux cris indécents et douloureux.

En conclusion, « Voodoo jive, the best of Screamin Jay Hawkins » permet de prendre conscience de toute la classe d’un artiste hors normes, capable de tout mais surtout doté d’une parfaite maitrise du rythm ‘n blues l’ancêtre le plus proche du rock n’ roll.

La voix de Screamin Jay Hawkins est sans nul doute l’une des plus incroyables que j’ai jamais entendu et ses hurlements surpuissants n’ont sans doute que peu d’égaux dans toute l’histoire de la musique.

Si quelques pépites géniales apparaissent ici, monstrueuses de créativité, d’audace, de talent et de swing, le best of peut également se montrer un peu long dans la durée notamment avec des morceaux de blues un peu trop classiques assez peu révélateurs de l’originalité de l’artiste.

Faites le test, profitez du beau soleil printanier et partez vous promener dans les rues de Paris en écoutant « I love Paris » dans votre I-phone et vous sentirez sans doute toute la magie du vieux fantôme noir de l’Ohio vous hanter …

Pour ma part, succès et adoption sur (presque) toute la ligne.

Dans un registre plus moderne, voici le « Version 2.0 » des américains de Garbage qui vient en 1998 emboiter le pas au déjà très réussi premier album éponyme qui avait fait figure trois années auparavant de déferlante power-pop.

Avec sa pochette minimaliste, « Version 2.0 » ne paye tout d’abord pas de mine et introduit un « Temptation waits » certes bien troussé mais beaucoup trop lisse et convenu.

Il faut attendre le second morceau pour se prendre de plein fouet le premier tube du disque le sensationnel « I think I’m paranoid » qui alterne couplets doux-amer et énormes riffs de guitares de Duke Erikson sur des refrains en acier trempé.

Puissant, sensuel et surtout terriblement accrocheur, « I think I’m paranoid » s’inscrit comme l’une des plus grandes réussites des américains.

On change d’ambiance avec « When I grow up » beaucoup frais, léger, fluide et électronique.

L’intensité chute fortement sur « Medication » petite ballade informe enchainé de « Special » ou la voix sensuelle et enveloppante de Shirley Manson fait la différence.

Garbage aligne alors les titres de qualité avec « Hammering in my head » qui intègre avec bonheur de fortes doses de bidouillages électroniques pour produire un résultat moderne et dynamique, puis « Push it » aux refrains explosifs véritablement entrainants.

Dans le registre plus doux et feutré de « The trick is to keep breathing », la voix de Manson donne sa pleine mesure.

La suite se dévide en souplesse, « Dumb » « Sleep together » rythmés mais trop linéaires et sans surprise pour arriver aux deux dernières trouvailles du disque « Wicked ways » puissant, dynamique et « You look so fine » douce ballade apaisante aussi vite oubliée.

En conclusion, moins touchant et inventif que son prédécesseur, « Version 2.0 » est un album assez inégal comportant une bonne moitié de morceaux de qualité et une autre parfaitement dispensable.

Album de la consécration, notamment à cause de quelques hits particulièrement redoutables, « Version 2.0 » s’inscrit dans un renouveau du rock des années 2000 qui incorporait de fortes de doses de samples électroniques pour lui conférer cette touche de modernité qui se montrait si tendance à l’époque.

Avec le recul d’une quinzaine d’années derrière, il apparait sous son vrai visage : pas le chef d’œuvre annoncé mais un disque long, lissé, avec quelques faiblesses mais aussi de belles réussites.

Envie d’un vent de fraicheur avec « Tyrannosaurus hives » d’un petit groupe suédois de garage punk nommé The hives.

Sorti en 2004, « Tyrannosaurus hives » et sa fausse pochette classique représentant des garçons biens sous tout rapport, est déjà le quatrième disque d’une formation ayant vu le jour en 1997.

Fidèle à sa réputation, The hives débute par une excellente mise en bouche « Abra cadaver » aussi rythmé qu’entrainant.

On monte encore d’un cran sur « Two timing touch and broken bones » irrésistible hymne sautillant qui donne envie de bouger son corps agité de délicieux spasmes.

Impossible non plus de résister à « Walk idiot walk » aux refrains impériaux, prolongé d’un « No pun intended » nerveux et rageur.

Même lorsque les riffs se font moins tranchants et les refrains inspirés, les Suédois parviennent à tenir sur leurs qualités rythmiques et leur gros coeur comme sur « A little more for little you » ou « B is for brutus ».

La machine à riffs du duo Niklas Almqvist/Mikael Karlsson tourne à nouveau à plein régime sur l’explosif « See through head » avant une fausse ballade cradingue « Diabolic scheme ».

The hives revient à ce qu’il sait faire de mieux : aller vite et envoyer des riffs et cette formule fonctionne à merveille sur « Missing link » enchainé d’une petite bombe sous tension Ac/Dc « Love in plaster ».

On termine par deux nouvelles fléchettes « Dead quote olympics » et « Antidote » qui au final passent presque inaperçus.

En conclusion, « Tyrannosaurus hives » est à l’image d’un des groupes les plus frais et dynamique de ces dernières années dans le registre d’un garage rock sans fioriture.

Reconnaissons néanmoins que le style des hives reste malgré tout très limité, peu sujet à des variations et que après un début tonitruant, le disque perd quelque peu en force de frappe.

Malgré cela, « Tyrannosaurus hives » reste un album homogène, enthousiasmant et très bien maitrisé qui ne pourra que satisfaire les amateurs de rock simple, direct et énergique.

Attaquons nous à présent à un monument sans doute encore plus haut que celui d’Aerosmith, je veux bien entendu parler du « Dark side of the moon » de Pink Floyd.

Comme vous le savez je considère avoir tout loisir de m’exprimer librement en ces colonnes et ne considère donc pas comme un critère déterminant la réputation de chef d’œuvre du disque le plus vendu au monde après le « Thriller » de Michael Jackson.

« Dark side of the moon » et sa pochette prismatique si énigmatique si fascinante voient le jour en 1973.

Le quatuor anglais débute cet album, conceptuel comme la plupart des œuvres de rock progressif par « Speak to me/breath » qui fait figure d’introduction duveteuse à souhait.

On continue d’avancer sans grande conviction vers « On the run » étrange instrumental notable surtout pour ses bruitages pour le moins déroutants.

La mise en action est incroyablement lente sur « Time » qui s’avère au final un morceau agréable par sa superposition d’ambiances, du chant varié de Gilmour et de solo de guitares lumineux.

Les anglais poursuivent dans la même veine avec « The great gig in the sky » marqué par des chœurs féminines omniprésents à la longue assez ennuyeux.

Plus abordable, « Money » déroule un swing jazz-rock froid, tandis que « Use them » et « Any colour you like » replongent dans les ambiances majoritairement instrumentales et planantes.

Avec ses puissants chœurs féminins en soutien, « Brain damage » se montre tout aussi élégant mais un tantinet plus animé.

L’album se conclut par « Eclipse » version modèle réduit sans aucun interet du titre précédent.

En conclusion, au risque de choquer les puristes ou d’horrifier les fans du Flamand rose, je suis passé complètement au travers de « Dark side of the moon ».

Je n’hésite pas à l’exprimer clairement, la musique de ce disque, tout comme sans doute une bonne partie du rock progressif m’ennuie formidablement et ne correspond pas à ce que je recherche dans la musique, qui se doit plus pour moi d’émouvoir que de faire réfléchir.

On pourrait certes ému de la grâce élégante et fragile de la musique ici proposée, mais son statisme m’ennuie, et l’usage de chœurs ou saxophone m’horripile dans la plupart des cas.

Peu de portes de sortie donc face à cette incompréhension et une réaction plutôt de rejet devant cette oeuvre trop cérébrale, sophistiquée et précieuse à mon gout.

Votre serviteur ne décollera donc pour le voyage lunaire cette fois et restera plutôt cramponné à cette bonne vieille terre, ce qui après tout n’est sans doute pas si mal.