Nous passons sans coup férir de l’atroce Rob Zombie à la disco-pop des anglais de Blondie.

A cet égard 1999 est une date charnière pour la formation culte des années 80 puisqu’elle marque le retour de Blondie sur le devant de la scène avec « No exit » et un nouveau batteur Clem Burke autour de la charnière centrale Debbie Harry (chant)-Chris Stein (guitare)-Jimmy Destri (claviers).

Nous sommes à présent à l’orée du XXI ième siècle, le dernier disque de Blondie a près de 20 vingt ans, aussi plus que l’attente infernale des fans se pose la question de la modernité ou de la fidélité aux sources ?

Le début du disque montre de claires influences reggae habitant « Screaming skin » et ses cinq longues minutes trente bien longues à passer.

Passé le choc (répulsif !) initial, on embraye sur « Forgive and forget » plus conventionnel avec ses mélodies soignées sur lesquelles la voix de Harry charme.

Les choses sérieuses semblent commencer avec « Maria » enormissime tube de classe mondiale aux refrains magiques proprement irrésistibles.

Nouvelle surprise sur « No exit » qui pompe allégrement la toccata et fugue en Ré mineur de Beethoven pour lancer un duo avec rappeur aujourd’hui bien poubellisé Coolio.

Le plus fou est que ce mariage improbable classique-rap avec Blondie en sandwich donne un résultat plutôt intéressant !

Pas à grand écart près, Blondie assène ensuite une ballade-saxo mielleuse à souhait « Double take » et remet ensuite un peu de dynamique sur le très correct « Nothing is real but the girl ».

Le mode jazzy feutré est privilégié sur « Boom boom in the zoom zoom zoom » et on plonge ensuite dans le néant absolu de la ballade guimauve « Night wind sent » ou de l’étrangement mollasson « Under the gun » avec un titre plus que mal porté.

Les chœurs et la majesté de « Out in the streets » ne suffisent pas relever le niveau.

Les titres s’enchainent sans aucun charme, « Happy dog » et son encéphalogramme plat, « The dream’s lost on me » au folk celtique assommant, « Divine » qui prend encore une fois le pli du reggae avant l’atmosphérique « Dig up the Congo » et son exotisme de pacotille.

En conclusion, « No exit » est un album catastrophique dont la variété ne saurait masquer la profonde vacuité artistique.

Exit et c’est le cas de le dire la machine à tube power-disco des années 80, place à une pop cosmopolite fadasse et à bout de souffle, tentant tant bien que mal de sauver les meubles à l’aide de titres bouche trou parfaitement irritants.

Avec le recul, « No exit » est l’album d’un tube, « Maria » et aurait du selon moi montrer la porte de la sortie à un groupe de vétérans au bout du rouleau.

Disons le franchement la découverte de Depeche mode a été plutôt un échec, et partant du principe que les albums les plus réputés du groupe ne m’ont que faiblement atteints, il ne restait donc qu’a expérimenter le bestof … ou le live pour tenter de sauver la situation !

Sorti en 1989, « 101 » est le premier live d’un groupe alors en pleine explosion commerciale et sans nul doute artistique, ceci se matérialisant par une position dominante dans le monde du pop-rock et des tournées dans des stades, comme celle de Pasadena aux Etats Unis.

On commence par « Black celebration » introduction plutôt planante pour un concert de ce calibre.

Les défenseurs du groupe me rétorqueront que le groupe n’est certes pas connu pour son punch, aussi enchainerai-je sans coup férir sur « Shaking the disease » également feutré mais dont la légère fluidité passe ici comme un charme.

Difficile en revanche de sa passionner pour le plaintif « Nothing ».

Depeche mode passe alors la surmultiplié et fait donner la machine à tubes qu’il était à l’époque.

Se succèdent le facile et sautillant « Pleasure, little treasure », le superbement efficace « People are people » et le dense « A question of time ».

Le tempo se ralentit et permet de placer « Never let me down again » l’une des plus belles réussites mélodique du groupe.

On oubliera rapidement la ballade « A question of lust » insupportable de nullité, pour s’orienter vers les dernières salves du concert, « Master or servant » redoutable dans le style pop-wave si caractéristique du groupe, « Just can’t get enough » premier tube historique et sans doute le plus dance-music de l’histoire des anglais.

En guise de final, surgit « Everything counts » aux plages électro plutôt plaisantes.

En conclusion, « 101 » constitue le bestof idéal pour qui voudrait découvrir Depeche mode.

Malgré sa qualité et sa bonne consistance, il n’est pas parvenu à changer mon opinion sur Depeche mode et à me donner envie de continuer à les suivre.

Ce n’est pas la voix de Steve Gahan, assez agréable dans un style certes un peu linéaire qui est en cause mais bel et bien l’essence même de la musique du groupe qui me déplait.

Le son new-wave surtout celui de la fin des années 80 sonne affreusement cheap pour moi, et je n’apprécie gère les structures pop/dance du groupe, leur reprochant leur facilité de tubes pour discothèques.

Même avec ce live garni jusqu’à la gueule de tubes, Depeche mode ne parvient pas rendre sa musique suffisamment vivant et attirante pour moi.
Trop de froideur, trop de retenue, trop de linéarité ou parfois de facilité sans doute, qui forment au final un cocktail repoussant à mes yeux.

Intéressons nous à présent à une musique plus froide et calme avec la new wave de Depeche mode, groupe majeur révélé au milieu des années 80.

En 1987, pleine année de ma jeunesse, « Music for the masses » et sa pochette simplissime déferlent sur les ondes radio et propulsent le quatuor anglais sur le devant de la scène.

On débute par « Never let me down again » premier tube sur lequel on retrouve le savoir faire du groupe, à savoir ce son sombre, dense, l’omniprésence des synthétiseurs d’Alan Wilder très accrocheurs et la voix belle et triste de Dave Gahan.

L’auditeur peut ensuite se lover confortablement dans la mélancolie hypnotique qui l’enveloppe sur « The things you said » pour encaisser un second hit de rang sur « Strange love » un peu plus dynamique sur ses refrains bien amenés.

L’odyssée dans le grand froid continue sur « Sacred » aux refrains heureusement plus lumineux, avant de subir le lent engourdissement mortel de « Little 15 » et « Behind the Wheel ».

Ce ne sont pas les soupirs et la sensualité douloureuse de « I want you know » qui viendront arracher l’auditeur à sa torpeur qui s’enfonce en réprimant un frisson dans la noirceur ténébreuse de « To have and to hold ».

Depeche mode insuffle enfin un peu de vie sur le très fluide « Nothing » qui glisse avec élégance, enchainé d’un puissant instrumental néoclassique au nom d‘onomatopée de bande dessinée « Pimpf ».

La fin n’en finit pas de finir avec de nouveaux instrumentaux « Agent orange » plus feutré et atmosphérique et un mix complètement électronique de « Never let me down again » idéal par son énergie soutenue pour une soirée techno ou une bande son de jeux vidéo.

On passera sur un « To have and to hold » dont le remix n’a aucun utilité pour se focaliser sur le dernier titre de l’album, « Pleasure, Little treasure » dont le coté électro et entrainant destine à une belle carrière en discothèque.

En conclusion, malgré son succès et quelques hits pop incontournables devenus des standards de la musique pop, « Music for masses » s’écarte grandement du rock voir de la new wave dans sa phase terminale pour s’orienter vers un style flirtant avec la techno ou la dance music et enflammer ainsi les dancefloor des amateurs de musiques plus électroniques.

Avec pareil potentiel commercial, le succès est logiquement au rendez vous mais me laisse pour ma part de marbre.

Si je reconnais un certain savoir faire au groupe, difficile en revanche de me passionner à cette new wave d’une froideur inouïe et d’un très grand statisme dans sa première partie avant une seconde partie basculant dans un tout autre monde que je goute pas vraiment.

Les années 80 sont à présent bien éloignées et A-ha tente tant bien que mal de survivre dans les années 90 pas forcément favorable pour leur style de musique pop-synthétique et leur image assez galvaudée de boys band avant l’heure.

En 1993 sort « Memorial beach » à la très belle pochette encore fois emplie de sobriété.

L’entrée en matière se fait avec « Dark is the night for all » une belle ballade soignée taillée sur mesure pour la voix incomparable de Morten Harket.

Sur le second titre « Move to Memphis » , la guitare de Pal Waaktaar-Savoy se fait plus présente pour tenter de donner un peu d’épaisseur sur les refrains, sans forcément beaucoup de réussite tant ce morceau se traine laborieusement.

A-ha fait plonger l’auditeur dans l’océan ouaté de « Cold as stone » qui s’étire interminablement sur plus de huit minutes avant d’enchainer sur deux mauvaises ballades de plus sous tranxen « Angel in the snow » et « Locust ».

On continue sur le même rythme atone avec « Lie down in darkness » qui ne saurait être sauvé par ses chœurs en soutien ni même « How sweet it was » avec quelques légères poussées un peu plus dynamiques.

A ce stade, l’auditeur passablement saoulé de patauger dans toute cette mélasse a déjà fortement envie d’éjecter le disque de son boitier mais fait pourtant preuve de courage pour aller au bout de son calvaire.

La fin du chemin se profile avec « Lamb to the slaughter » et ses sonorités étranges lorgnant vers l’oriental, l’abominable ballade « Between your mama and yourself » et enfin « Memorial beach » qui part loin dans la stratosphère des innombrables ballades mollassonnes de la carrière du groupe.

En conclusion, énorme plantage commercial et également artistique, « Memorial beach » est un album aux antipodes de la pop accrocheuse qui fit le succès des Norvégiens au milieu des années 80.

Entièrement composé de mornes ballades interchangeables, le catastrophique « Memorial beach » ne contient aucun relief, aucune aspérité ou variation rythmique, capable de le faire décoller ou simplement de l’agrémenter.

A-ha semble donc perdu, à la dérive au milieu des années 90 et cet ultime album testament marquera la fin du groupe, incapable de renouer avec le succès.

Peu importe si A-ha effectuera un retour tardif au début des années 2000, l’album référence du groupe demeurera pour moi pour l’éternité « Hunting High and low ».

Impossible sauf si vous avez passé les cinq dernières années dans une grotte ou un abri anti atomique de pas passer à coté du phénomène médiatico-musical Lady gaga.

Le succès de Lady gaga provient pour moi de l’usage d’une imagerie visuelle très forte et provocante, mais également de tubes imparables pour faire se trémousser les foules sur les dance floor du monde entier.

Bien que au départ, le style pop-dance de la chanteuse ne corresponde pas à mes gouts propres, j’ai par curiosité jeté une oreille attentive sur « The fame monster » le double album comportant réédition et nouveautés, sorti en 2009.

Le premier disque commence fort avec « Bad romance », peut être le plus grand tube de la chanteuse, synthétisant tous ses points forts : rythme soutenu, sonorités électro, ambiance branchée et surtout formidables mélodies emportant tout sur leur passage.

Changement radical d’ambiance sur « Alejandro » morceau pop plus calme utilisant le thème du retour aux sources aux racines italiennes.

On déroule avec « Monster » qui sonne plus artificiel et désincarné et « Speechlesss »  ballade un tantinet lourdingue.

Lady gaga retrouve un peu de son efficacité mélodique sur « Dance in the dark », certes toujours calme mais beaucoup plus fluide et aux refrains mieux amenés puis place un autre tube avec « Telephone » le duo avec l’autre trigresse à la mode du moment, Beyounce.

Peu d’émotion sur « So happy I could die » sans relief particulier et particulièrement désincarné, avant le final « Teeth » plus spectaculaire avec son ambiance de cabaret.

Après ce premier hors d’œuvre, on bascule sur le second disque, qui débute par un des tubes de la chanteuse, le très efficace « Just dance » qui connut lui aussi un joli succès dans les hits parades internationaux.

Facile et fluide, « Just dance » glisse sans effort apparent tout comme son successeur « Love game » d’un niveau toutefois beaucoup plus faible que malgré sa vidéo sulfureuse et ouvertement sexuelle ne suffira pas à compenser totalement.

Pas grand-chose à dire sur le mollasson « Paparazzi » mais que dire en revanche du tube planétaire « Poker face », hit fracassant qui fit de Lady gaga, une diva altière de la dance-music.

La tension retombe brutalement avec « I like it rough » contrairement à son titre provocateur plutôt mignonnet et sans boulverser un seul instant, ni meme « Eh eh » titre facile jouant également la carte des origines italiennes.

On redescend alors franchement dans les affres de la médiocrité avec « Strarstruck » incroyablement faible malgré la présence de quelques rappeurs poids lourds du moment, « Beautiful, dirty, rich »  et « The fame » fortement aseptisé malgré leurs bruitages futuristes.
On dresse un sourcil avec « Money honey » qui contient une louche de la recette magique de Lady gaga et s’enthousiasme avec « Boys, boys, boys » qui bien que n’ayant rien à voir avec le tube des années 80 de sa cousine poumonnée Sabrina, n’en contient pas moins un coté tubesque assez prononcé.

On arrive alors sur la fin du disque non sans un certain soulagement avec le fadasse « Paper gangster », la ballade « Brown eyes » et « Summer boy» plus sobres, authentiques et touchants.

En conclusion, « The fame monster » est un album hétéroclite, moderne, voir branché, dont seuls une poignée de titres valent le déplacement.

Le premier disque, ajouté après coup est le plus faible des deux et ne contient que « Bad romance » comme titre majeur.

Le second est le plus consistant mais contient également bon nombres de morceaux passe partout sans aucun intérêt.

En résumé, sans le visuel fort et les tubes locomotives, Lady gaga peine à tenir la distance sur un album et a fortiori encore plus sur un double album.

Pour les curieux tentés par l’expérience, je conseille l’achat d’un best of ou le téléchargement des quelques tubes de la chanteuse mais certainement pas de dépenser leur argent pour ce double album parfaitement dispensable.