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14 juillet 2014 1 14 /07 /juillet /2014 11:06
Thor n°17 (Dan Jurgens, John Romita Jr, Klaus Janson, Glenn Herdling, Gregg Shigiel)

Thor toujours mais quelques années plus tard avec « Thor n°17 » chez Marvel comics.

Nous sommes à présent en 1999 et cette fois le duo Dan Jurgens (scénario) et John Romita Jr et Klaus Janson (dessins) prend la relève pour incarner les aventures illimitées du puissant dieu du tonnerre.

Et le moins que l’on puisse dire est cela commence fort avec l’attaque en plein New-York d’une violence inouie de Enrakt, appartenant au trio des Enchanteurs, divinités appartenant extra dimensionnelles capables de rivaliser voir surpasser leurs homologues asgardiens.

Enrakt est rendu redoutable par sa capacité à contrôler par magie mjolnir, l’arme maitresse de Thor.

Au moment ou Enrakt semble prendre le dessus sur Thor jeté à terre, il disparait pour se rendre à Asgard ou ses deux frères Brona et Magnir menacent Odin en personne de mort.

Pourtant malgré la criticité de la situation, Thor renonce temporairement à poursuivre son adversaire car dans le même temps, l’invincible Fléau se déchaine en plein centre ville.

En réalité, Thor a au moins autant de difficultés face à la puissance brute encore augmentée du Fléau que face à la magie d’Enrakt et a clairement le dessous devant un adversaire invulnérable à tout attaque physique aussi puissante soit elle.

Intrigué par cette créature mettant à mal son demi frère, Loki observe le combat depuis Asgard et cherche auprès d’une flamme mystique d’autres informations concernant des créatures similaires au Fléau, trouvant ainsi Conquête, irlandaise possédée par le pouvoir mystique de Krakkan et Bedlam, kenyane habitée elle par Ikonn, équivalent africain de Cyttorak.

De manière assez peu compréhensible, Bedlam et Conquête interviennent dans le combat entre le Fléau et Thor, écartant sans ménagement ce dernier surclassé par son adversaire, pour faire disparaitre le Fléau qu’ils estiment être leur frère.

En guise de bonus, Glenn Herdling (scénariste) et Gregg Shigiel (dessins) narrent dans un contexte certes modernisé une énième attaque du super criminel Mysterio contre son vieux rival Spider-man, pour senser punir une critique négative concernant son travail.

En conclusion, aucune comparaison possible entre « Thor n°17 » de Marvel comics et celui clairement décevant de « Thor n°466 ».

Nous avons ici affaire à deux terribles adversaires pour Thor, Enrakt et le plus classique Fléau qui chacun à leur manière le mettent à mal dans des luttes spectaculaires ou le lecteur de régale.

On apprécie l’efficacité du scénario de Jurgens, l’efficacité des scènes de combat de Romita avec on l’espère des suites assez excitantes narrant une attaque de grande envergure contre Asgard par les Enchanteurs et ou les plans plus mystérieux de Loki concernant la manipulation du Fléau et de ses homologues féminines irlandaises et kenyanes.

Ce numéro de Thor contient donc tous les ingrédients nécessaires à un comics de qualité !

Thor n°17 (Dan Jurgens, John Romita Jr, Klaus Janson, Glenn Herdling, Gregg Shigiel)
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14 juillet 2014 1 14 /07 /juillet /2014 10:07
Thor n°466 (Ron Marz, Bruce Zick)

Les comics ne sont jamais loin en ces colonnes, aussi voici « Thor n°466 » originellement sorti en 1993.

Avec Ron Marz (scénario) et Bruce Zick au dessins, « Thor n°466 », se distingue par sa couverture alléchante narrant un féroce combat entre le dieu du tonnerre et un adversaire à sa mesure, Drax le destructeur aux pouvoirs gonflés par le joyau de la puissance des doyens des l’univers.

En réalité, l’histoire se passe principalement à Asgard, ou les Asgardiens attablés à un traditionnel banquet écoutent religieusement leur père le dieu Odin raconter un trait de caractère assez peu connu de Thor, sa patience et son pacifisme lorsqu’un stupide troll le provoqua pour une futile question de cours d’eau.

Par cette anecdote, Odin entend compenser l’absence de son fils, en réalité en plein combat avec Drax dans l’immensité de l’espace, comme le montre la trilogie de la Croisade cosmique sortie à la même époque.

Finalement, après avoir rappelé les bases du caractère de son fils, calme face à l’adversité et n’ayant recours à la force qu’en cas de grave offense, Odin laisse entrevoir que le combat contre Drax pourrait laisser des traces dans le psychisme du dieu du tonnerre.

En conclusion, « Thor n°466 » est une immense déception voir un simili d’arnaque tant à partir d’une affiche alléchante d’un combat avec Drax, ne propose en réalité qu’un contenu minimaliste.

Quelques planches du combat viennent se superposer au récit d’Odin, pour former un ensemble manquant beaucoup trop de consistance.

Pire que cela, l’issue du match est renvoyé aux saga cosmiques d’Adam Warlock.

Et ce ne sont pas les quelques planches terminales laissant entrevoir un crossover entre dieux olympiens et asgardiens qui suffit à relever l’intérêt défaillant pour la série.

Dommage donc car le style de Zick est plus que correct et le potentiel de Thor semble en réalité quasi illimité !

Thor n°466 (Ron Marz, Bruce Zick)
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13 juillet 2014 7 13 /07 /juillet /2014 19:59
Qu'est ce qu'on a fait au bon dieu ? (Philippe Chauveron)

Une fois n’est pas coutume voici « Qu’est-ce qu’on a fait au bon dieu ? » la comédie à la mode de Philippe Chauveron en cet été 2014.

« Qu’est-ce qu’on a fait au bon dieu ? » raconte l’histoire d’un couple de la bourgeoisie provinciale de Chinon, les Verneuil, Claude (Christian Clavier) et Marie (Chantal Lauby), catholique de droite, qui a la désagréable surprise de voir chacune de ses quatre filles mariée avec un homme issu de l’émigration.

Ainsi Ségolène (Emilie Caen) se voit marié avec Chao Ling (Frédéric Chau), d’origine chinoise, Isabelle avec Rachid Ben Assem (Medi Saoun) d’origine maghrébine et Odile (Julia Piaton) avec David Benichou (Ary Abittan) de confession israélite.

Ce mélange de culture crée des situations explosives lors des réunions familiales ou chacun fait preuve d’une grande mauvaise foi pour critiquer les us et coutume des diverses ethnies ou religions représentés.

Les Verneuil sont accablés par cette situation, Marie sombre peu à peu dans la dépression tandis que Claude s’emporte contre ses gendres dont il reproche la différence.

David est sans doute celui dont la situation est la plus précaire avec de grosses difficultés financières et des projets farfelus de casher-bio qui ne trouvent aucun financement.

Chao est le financier de la bande, et reçoit l’essentiel des critiques adressées aux Chinois supposés racheter la planète, tandis que Rachid se targue d’une peu glorieuse situation d’avocat commis d’office à Bobigny.

Lorsque Laure (Emilie Fontan) annonce à ses parents qu’elle va se marier avec un Charles catholique acteur de profession, ceux-ci reprennent espoir.

Mais ils ignorent à ce stade que le Charles en question (Noom Diawara) est originaire d’Afrique de l’ouest et la découverte de cet état de fait provoque un immense traumatisme chez eux.

Le premier échange avec les Kofi, surtout André (Pascal Nzonzi) est à vrai dire catastrophique, le ton montant rapidement entre les deux pères à propos de leurs différences culturelles.

En réalité personne dans la famille n’approuve ce mariage, et les trois couples déjà constitués tentent même de discréditer Charles en essayant de le prouver une prétendue infidélité.

Le stratagème échoue lamentablement et tout le monde se retrouve donc à Chinon pour le mariage.

André et Claude qui se détestent assez vite, finissent par s’isoler dans une partie de pêche, et se rapprochent unis par le même gout pour l’alcool et le scepticisme.
Les deux larrons finissent au poste de police pour avoir semé le trouble dans une boulangerie et tout se beau monde se retrouve donc en bon ordre pour la cérémonie et le repas de mariage, mélangeant culture française et africaine.

En conclusion, « Qu’est-ce qu’on a fait au bon dieu ? » est un film léger au scénario rachitique surfant sur un ensemble de clichés communautaires et sur un fond d’anti racisme que certains pourront qualifier de bien pensant.

Si on passe sur le fond d’un niveau plus que faible, on pourra être séduit par la qualité des acteurs, réunissant la nouvelle vague de comiques pétris de talents s’en donnant à cœur joie auprès de vieilles figures du rire, Clavier et Lauby assez parfaits dans leurs rôles de parents un tantinet réactionnaires dépassés par les événements.

Alors oui pour la bonne humeur, les dialogues enlevés et l’abattage des acteurs, même si le film pousse à mon sens beaucoup trop le trait d’une France mélangée s’entendant à merveille en bonne intelligence en absorbant sans difficultés les particularités des autres.

Qu'est ce qu'on a fait au bon dieu ? (Philippe Chauveron)
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12 juillet 2014 6 12 /07 /juillet /2014 10:37
La plage (Danny Boyle)

2000, année curieuse largement oubliée du grand public, car sensée faire le basculement vers le nouveau millénaire forcément plus attractif.

C’est pourtant cette année là que sort « La plage » de Danny Boyle ou lorsque un réalisateur réputé branché depuis le thrash « Trainspotting » rencontre la méga star de l’époque, Leonardo DiCaprio tout auréolé de l’immense succès de « Titanic » trois ans auparavant.

L’histoire assez improbable, tirée d’un roman d’Alex Garland, raconte celle d’un jeune touriste américain Richard (Leonardo DiCaprio) au profil de globe trotter solitaire qui rencontre dans un hôtel de Bangkok un homme fou, Daffy (Robert Carlyle) qui entre deux beuveries lui remet le plan d’une ile mystérieuse cachée de tous avant de s’ouvrir les veines dans sa chambre.

Choqué par le suicide de Daffy, Richard se rapproche d’un couple de français rencontré sur place, Etienne (Guillaume Canet) et Françoise (Virginie Ledoyen) eux aussi jeunes et aventuriers pour tenter une expédition hasardeuse pour découvrir ladite ile.

En réalité, Richard est secrètement attiré par Françoise et jalouse son compagnon français.

Prenant son courage à deux mains, le trio voyage par avion, train et bus puis nage les quelques kilomètres les séparant de l’ile effectivement sauvage.

Il tombe rapidement sur un champs de cannabis cultivé par des paysans locaux armés jusqu’aux dents.

Surmontant leur peur, ils parviennent à échapper aux trafiquants et à s’enfoncer davantage dans l’épaisse végétation tropicale.

Après avoir franchi une vertigineuse cascade, le trio tombe sur une communauté pseudo new âge, dirigée d’une main de fer par Sal (Tilda Swinton).

Tout en acceptant le trio, Sal rappelle les règles strictes de la communauté qui sont surtout de ne pas communiquer avec l’extérieur afin de garder leur existence secrète.

Le trio se fond sans difficultés apparentes dans les règles de la communauté vivant en autarcie alimentaire à base de culture de légumes et de pèche de poissons et ne s’aventurant qu’en d’exceptionnelles occasions et toujours sous le contrôle de Sal sur le continent.

La liberté et le loisir tiennent une part importante dans cet Eden taillé sur mesure, il est vrai dans des paysages paradisiaques.

Le sexe également et fort logiquement Richard se rapproche de Françoise avec qui il noue une relation intime.

Mais à l’occasion d’un visite sur le continent, Richard doit se soumettre aux caprices sexuelles de Sal et est malencontreusement découvert par un quatuor de touristes occidentaux à qui il avait eu le malheur de parler de la carte.

Sal est outrée de cette découverte et menace Richard de représailles au cas ou d’autres personnes chercheraient à venir en raison d’un accord conclu avec les trafiquants.

Mal à l’aise, le jeune homme revient sur l’ile ou la situation se dégrade depuis l’attaque violente de requins sur trois des pécheurs suédois de l’ile.

L’un d’entre eux, grièvement blessé à une jambe refuse d’être évacué et se heurte à l’intransigeance de Sal pour faire venir un médecin sur l’ile.

Délaissé, il est finalement abandonné par le groupe dans la foret qui ne supporte plus ses gémissements incessants, seul Etienne trouvant assez de compassion en lui pour l’assister.

Pire que tout, l’approche du quatuor de touriste de l’ile rajoute de la tension et Sal ordonne à Richard de monter la garde, en mettant tout en œuvre pour les repousser.

Richard, abandonné également par Françoise qui a découvert sa courte liaison avec Sal perd alors peu à peu la tête dans sa solitude forcée, épiant les touristes, s’engageant profondément seul dans la foret à l’image d’un personnage de jeu vidéo.

Plus grave il s’approche des trafiquants, n’hésitant pas à les narguer et à leur voler des effets personnels pendant leur sommeil.

Finalement l’arrivée des touristes se termine en drame, et par leur mort, tués par les trafiquants rendus nerveux par cet dérangement.

Richard est également poursuivi dans la foret et se réfugie au camps ou une vive explication a lieu entre trafiquants et Sal qui refuse obstinément d’évacuer l’ile.

Lors d’un face à face explosif, Sal se montre prête à tuer Richard pour préserver la présence de la communauté sur l’ile mais tire sur lui avec une arme vide.

Cette réaction extrémiste provoque le départ des membres de l’ile et le retour sur le continent, mettant fin à l’aventure utopique.

En conclusion, plus que par son sujet du reste plutôt intéressant, c’est par son traitement que « La plage » déçoit et irrite.

Le style déstructuré de Boyle s’exprime ici avec de fortes connotations à la drogue , aux jeux vidéos et à la musique électronique, sensés représenter la hype du moment mais formant un mélange assez décalé et indigeste avec le sublime environnement naturel des iles de la Thaïlande.

Deuxième reproche, le choix des acteurs, parfaitement discutables, avec un Dicaprio jeune, beau et bronzé donnant l’impression de passer de belles vacances en Thaïlande mais aussi Ledoyen complètement effacée derrière la star meme dans des scènes d’amour tournée à la va vite.

Décor de carte postale, acteurs transparents, ambiance branchée-décalée nauséeuse, « La plage » donne en réalité farouchement envie de fuir !

La plage (Danny Boyle)
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12 juillet 2014 6 12 /07 /juillet /2014 09:33
After hours (Gary Moore)

Les dieux de la guitare toujours avec « After hours » de Gary Moore.

A sa sortie en 1992, la carrière solo de Gary Moore est en pleine explosion nourrie par le beau succès commercial de « Still got the blues » un an plus tôt.

L’Irlandais s’entoure ici d’un parterre de musiciens fluctuant Graham Walker/Anon Fig à la batterie, Will Lee/Bob Daisley/Johnny B Gaydon à la basse en plus des quelques cuivres, piano et chœurs de rigueur.

Le très accrocheur « Cold day in hell » rappelle instantanément que nous sommes ici loin du hard rock étincelant de Thin Lizzy mais bel et bien dans une veine blues rock si chère à Moore.

On reprend un classique du genre années 1930/1940 « Don’t lie to me » de Tampa Red interprété de manière trop classique à mon gout et c’est dans le registre plus personnel et émotionnel du superbe « Story of the blues » que Moore parvient à toucher la corde sensible.

Avec la légende du genre BB King, vient « Since I met you » dont les moins de trois minutes sont assez vite oubliées et encore une fois Moore se fait géant avec « Separate ways » ou sa voix magique soutenu par des chœurs sensuels se marie à merveille avec le toucher subtil et feutré de sa guitare.

Déchirante chanson de rupture, « Separate ways » peut être considérée comme un des musts de la carrière du guitariste.

On reprend un peu de vie sur « Only fool in town » enchainé du court et musclé « Key to love » bref rappel du passé rock ‘n’ roll du guitariste.

More prend ensuite le parti de nous endormir avec « Jumpin at shadows » assommante reprise de Duster Benett et s’accroche mordicus au classicisme avec « The blues is alright » de Milton Campbell.

Deux compositions personnelles pour terminer, « The hurt Inside » léger et délicat enchainé de « Nothing is the same » superbe ballade en lévitation à fendre le cœur du GI le plus endurci.

En conclusion, bien que ne figurant pas dans le style de musique que j‘affectionne le blues, « After hours » est néanmoins dans son genre, très réussi.

Je trouve que la démarche de reprendre des classiques du blues n’a pas grand intérêt, si ce n’est de faire plaisir à Gary Moore, mais que celui-ci confine au divin lorsqu’il pond des merveilles de ballades bluesy emplies de souffrance, de solitude et de désespoir.

Guitariste exceptionnel évoluant ici dans un registre plus subtil, Gary Moore se montre également comme un excellent chanteur.

Reste que « After hours » aurait pu selon moi encore gagner en grandeur en officiant dans un registre plus personnel.

After hours (Gary Moore)
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9 juillet 2014 3 09 /07 /juillet /2014 22:41
Live on I-5 (Soundgarden)

Soundgarden toujours avec « Live on I-5 » album live sorti en 2011 après une tournée nord américaine le long de la cote Pacifique.

Enregistré en 1996 lors de la dernière tournée de Soundgarden avant leur séparation et l’essoufflement prévisible du mouvement grunge, « Live on I-5 » débute par un modèle d’efficacité, « Spoonman » dont le rythme riche et vivant ne peut que séduire.

Plus difficile d’accès se trouve le plus sinueux « Searching with my good eye closed » même si l’alliance Cornell-Thayil assure toujours une certaine flamboyance.

L’intensité chute cependant franchement sur les très ternes « Let me drown » poussif et « Head down » transparent.

C’est donc à l’image des cris (mesurés) de la foule, qu’on se dirige vers « Outshined » également étrangement moins percutant que sur disque.

Il faut donc attendre l’exceptionnel « Rusty cage » pour voir Soundgarden déployer de nouveau ses ailes de feu.

Une correcte ballade « Burden in my hand » plus loin surgit « Helter skelter » énième reprise du seul titre hard rock des Beatles dans une version curieusement assourdie et au final sans grand intérêt.

On reste dans le calme et douceureux avec « Boot camp » enchainé du sombre et massif « Nothing to say » aux fortes tonalités Black sabbath.

Cornell ressort la machine à hurler sur « Slaves & bulldozers » étiré sur plus de neuf minutes prenantes auprès duquel le délicat « Dusty » fait pale figure.

Pourtant, Soundgarden reste capable d’émouvoir comme le montre « Fell on back days » sombre ballade à l’élégante mélancolique, qui contraste avec la reprise su vitaminée punk-metal des Stooges « Search and destroy ».

Pour terminer le live, les américains sortent la grosse artillerie, « Ty cobb » grosse décharge de chevrotine hardcore en pleine face, la mielleuse ballade pop « Black hole sun » et l’infernale metal machine « Jesus christ pose » et ses brusques bouffées de violence brute.

En conclusion, « Live on I-5 » est même avec quinze ans de retard et un public étrangement mis en veilleuse, un live de bonne qualité globale reprenant l’essentiel des titres majeurs de Soundgarden.

Tout y est ou presque, des grosses bombes métalliques aux ballades popisantes, avec une interprétation de qualité menée par un Chris Cornell toujours dominateur au chant.

Alors bien sur, le disque contient quelques baisses de régime t certaines reprises font quelque peu figure de gadgets et n’apportent pas grand-chose si ce n’est un divertissement passager pour les musiciens et les quelques heureux élus témoins de shows de l’époque, mais « Live on I-5 » demeure malgré ceci un live de bonne voir très bonne facture.

Live on I-5 (Soundgarden)
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8 juillet 2014 2 08 /07 /juillet /2014 21:54
Rio (Carlos Saldanha)

Coupe du monde oblige, le Brésil est particulièrement à l’honneur en ce moment.

Aussi Est-ce avec un réel bonheur que va être chroniqué le dessin animé « Rio » de Carlos Saldanha, brésilien qu’on ne présente plus depuis les immenses succès planétaires de « L’âge de glace ».

Nous sommes en 2011 et Saldanha qui éprouve sans doute l’envie de se rapprocher de ses racines et de sa ville d’origine, raconte l’histoire d’un perroquet du Brésil appelé Blu (voix Jesse Eisenberg) enlevé de l’Amazonie par des braconniers pour être ensuite secouru par une jeune et douce libraire du Minnesota, Linda (Leslie Mann).

Devenu un oiseau domestique, Blu coule des jours heureux dans son environnement douillet de Minnesota, ou il vit aimé par sa maitresse.

Le quotidien du petit couple va pourtant être chamboulé lorsque Tulio (voix Rodrigo Santoro) un scientifique brésilien lui rend visite pour requérir la présence de Blu dans son pays d’origine afin de participer au renouvellement de son espèce d’oiseau rare avec la dernière femelle encore en vie.

Malgré une forte réticence à quitter son environnement surprotégé, Linda finit par se laisser convaincre et se rend avec son oiseau à Rio de Janeiro ou se situe le laboratoire de Tulio.

Après avoir croisé Nico (Christophe Peyroux) et Pedro (Jean-Pierre Chandler) deux sympathiques oiseaux des rues de Rio, Blu fait la connaissance de Jewell (voix Anne Hathaway) son homologue féminine qui à sa différence vit très mal sa captivité.

Le contact passe mal avec Blu, trop domestiqué, instruit et de surcroit incapable de voler.

Mais le pire reste à venir lorsque Blu et Jewel sont kidnappés par une bande de trafiquants de favelas, qui travaillent avec la complicité d’un énorme cacatoès, Hector (Bruno Magne) et d’un jeune garçon pauvre Fernando (Valentin Maupin).

Le chef des trafiquants, Marcel (Boris Rehlinger) tirer de la vente des oiseaux rares une somme conséquente et se désintéresse complètement de leur sort.

Tandis que Linda et Tulio, cherchent désespérément les oiseaux, Blu utilise ses capacités d’adaptions pour ouvrir la cage qui les retient prisonniers mais ne peut faire mieux que marcher avec Jewel à qui il a été enchainé.

Le couple de fortune échappe avec grande difficulté aux hommes de mains de Marcel, du reste passablement stupides, Tipa (Raphael Cohen) et Armando (Mohamed Sanou).

Ils se réfugient dans la jungle et sont pris en main par le père de famille toucan Rafael (Michel Mella) qui accepte de les conduire en ville pour trouver le dénommé Luiz (Frantz Confiac) afin de briser la chaine qui les retient.

Contraints de revenir dans un Rio en pleine effervescence à cause du carnaval, Blue et Jewel ignore que l’abominable Hector a contacté une affreuse bande de singes commandé par Mauro (Guillaume Lebon) pour les retrouver.

C’est en plein bal funk que s’effectue le choc entre singes et oiseaux qui se termine par une bagarre générale, à laquelle Blue et Jewel parviennent avec la complicité d’un flamand rose à s’échapper.

Juché sur le bondé de Rio de Janeiro, célèbre tramway de la ville, le trio arrive à Santa Teresa ou réside le fameux mécanicien Luiz, un sympathique bouledogue bavant.

Après quelques péripéties, Luiz brise la chaine du couple mais Hector surgit à nouveau, enlevant Jewel.

Désespéré, Blu n’a d’autre choix que de se faire aider de Rafael et Luiz pour tenter de la libérer en plein carnaval dans un char de pacotille crée par les trafiquants pour passer inaperçu.

Le trio de choc retrouve sur place Linda, Tulio qui ont été aidés par le jeune Fernando, finalement pris de remords.

Dans le tumulte et la frénésie carioca, l’action devient confuse et le duo Linda/Tulio ne peut empêcher les trafiquants d’embarquer les oiseaux dans un avion spécialement affrété.

Heureusement, Blu révèle encore ses talents d’ingéniosité et leur permet de s’échapper, tandis que les trafiquants sont contraints de sauter en parachute et que l’affreux Hector est taillé en pièce par une des hélices.

C’est dans un saut dans le vide que Blu se voit contraint pour sauver Jewel blessée de retrouver l’instinct naturel lui permettant de voler.

Au final, Blu et Jewel finalement amoureux s’établissent ensemble à Rio de Janeiro et constituent une belle progéniture, tandis que Linda et Tulio se rapprochent également.

En conclusion, « Rio » est un très beau divertissement porté par un graphisme haut de gamme rendant hommage à la beauté et aux couleurs de Rio de Janeiro.

Bien que principalement dédié au jeune public, « Rio » fait preuve d’habileté, de créativité pour atteindre son objectif, donner du plaisir tout en mettant en valeur les superbes particularités d’une des plus belles villes du monde, si ce n’est la plus belle.

Tout ceci est certes léger, un peu facile peut être mais surtout amusant, habile et agréable.

On saluera donc plus pour la forme que le fond ce bel objet cinématographique qu’on ne peut que recommander pour le plus grand plaisir de vos enfants !

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8 juillet 2014 2 08 /07 /juillet /2014 20:21
Badmotorfinger (Soundgarden)

Il manquait aux cotés de Nirvana et Alice in chains, l’un des grands du mouvement grunge, Soundgarden, qui explosa comme les premiers cités à l’orée des années 90 avec « Badmotorfinger ».

Sorti en 1991, en pleine année culte pour le métal et donc le grunge, « Badmotorfinger » est le troisième album du groupe de Seattle emmené par Chris Cornell (guitare/chant), Kim Thayil (guitare), Ben Shepherd (basse) et Matt Cameron (batterie).

Cet disque au titre provocateur et à la pochette ésotérique débute en trombe par « Rusty cage » qui avec son riff central fantastique en mouvement permanent et ses refrains détonants, avale tout sur son passage.

Le tempo frénétique se pose davantage sur « Outshined » pour proposer un excellent mid tempo porté par un son de guitare ultra charnel et par la voix puissante et sensuelle de Cornell.

Derrière ce titre sous acide, « Slaves & bulldozer » se cache un morceau lent, sinueux porté à bout de cordes vocales par un Cornell au style plus heurté que d’habitude.

Mais les petits gars de Seattle frappent encore un grand coup avec « Jesus Christ pose » rapide, violent et torturé dont la vidéo volontairement choquante causa beaucoup de désagréments à l’époque aux Etats-Unis et dans les principaux pays chrétiens.

Indépendamment de la polémique, « Jesus Christ pose » demeure un titre d’un impact hors normes.

On ne peut pas dire que les choses mollissent avec « Face pollution » qui continue de frapper fort et à la face et il faut attendre « Somewhere » pour rencontrer un titre plus posé bien que solide.

Soundgarden délivre une face plus planante et délicieusement psychédélique avec « Searching with my good eye closed » et c’est avec un son metal incandescent que se retrouve illuminé l’excellente power ballade « Room for a thousand years wide ».

S’ensuivent « Mind riot » habité et hypnotique, « Drawing flies » rageur mais un brin conventionnel, « Holy water » mid tempo racé et flamboyant avant un « New damage » conclusif.

En conclusion, « Badmotorfinger » est grand album, puissant et flamboyant, méritant largement ses lettres de noblesse.

Très influencé par le gros son metal, Soundgarden se montre avec son chanteur au timbre conquérant réellement impressionnant et produit un grand effet.

Peu de réelles faiblesses, quelques purs standards metal, un parfum de scandale, un chant de première catégorie : tous les ingrédients sont réunis pour produire une véritable bombe qui ouvrira aux jeunes américains la voie du succès !

Badmotorfinger (Soundgarden)
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8 juillet 2014 2 08 /07 /juillet /2014 18:42
Duel au soleil (King Vidor)

Nous revenons à grandes enjambées dans le monde des classiques du cinéma américains avec « Duel au soleil » de King Vidor.

Sorti en 1946 ce qui ne nous rajeunit pas, « Duel au soleil » est un western partant d’une tragédie, la mort d’un homme Scott Chavez (Herbert Marshall) coupable d’un crime passionnel en assassinant sa femme Ehefrau (Tilly Losch), une superbe danseuse indienne et son amant.

Avant d’accepter son châtiment par pendaison, Chavez confie sa jeune fille métisse Pearl (Jennifer Jones) à son ancienne amie Laura Mc Canless (Lillian Gish) femme d’un riche propriétaire terrien texan.

Après avoir séché ses larmes, Pearl se rend donc chez les Mc Canless et découvre en Laura une femme sérieuse et douce, tandis que son mari le sénateur Mc Canless (Lionel Barrymore) paralysé des jambes après un accident se montre beaucoup moins tolérant face à sa couleur de peau et ses origines métissées.

Mais le véritable enjeu de la vie au ranch apparait vite, la lutte à distance pour séduire Pearl entre les deux fils Mc Canless, Jess (Joseph Cotten) aussi calme et réfléchi que Lewt (Gregory Peck) est impétueux et arrogant.

Bien qu’étant sensible à la douceur et à la tolérance de Jess, Pearl est rapidement emportée par le tempérament de bad boy de Lewt, qui la provoque ouvertement en lui proposant de folles courses à cheval, en lui jouant de la guitare ou en allant la voir se baigner nue dans une mare.

En toile de fond de cette passion naissante, Mc Canless doit faire face à l’arrivée du chemin de fer qui vient bouleverser l’organisation de ses terres.

En opposition avec le progressiste Jess, Mc Canless n’hésite pas à prendre les armes avec les autres propriétaires pour s’opposer physiquement au l’avancée du chemin de fer.

Même si Len Smoot (Harry Carrey) représentant la compagnie est un ex camarade d’arme de Mc Canless, il n’hésite pas à faire appel à la cavalerie américaine pour déloger le belliqueux sénateur, qui se trouvant désarçonné et humilié de son cheval, décide de renier Jess qui a eu l’audace de prendre le parti adverse.

C’est donc la mort de l’âme que le sage Jess quitte le ranch familial après des adieux un peu froids à la bouillante Pearl, qui ne peut donc que succomber au charme du sulfureux Lewt.

Malgré sa passion dévorante, Lewt se refuse à épouser une métisse ce qui ulcère Pearl à tel point qu’elle accepte par dépit d’épouser un vieux garçon du ranch, Sam Pierce (Charles Bickford).

Lorsque Lewt apprend l’imminence de ce mariage, il perd la tête, provoque Pierce et le tue dans un bar.

Devenu un hors la loi, Lewt vit dans la clandestinité et œuvre ouvertement dans des actes de sabotage contre le chemin de fer.

Malgré l’horreur de ce meurtre, les sentiments de Pearl pour Lewt restent confus et ce n’est pas le retour de Jess, venu pour assister à l’enterrement de sa mère Laura, qui vient arranger les choses.

Devenu incontrôlable, Lewt s’en prend également à Jess qu’il prend pour un obstacle vis-à-vis de Pearl et le blesse grièvement alors qu’il était désarmé.

Pearl se rend à son chevet ou elle retrouve sa fiancée Helen Langford (Joan Tetzel).

Lorsque Lewt refuse de l’emmener avec lui en cavale au Mexique, Pearl prend une décision sans appel, se rend dans le désert et lui tire dessus.

Lewt se défend néanmoins, blessant à son tour Pearl et les deux amants meurent dans les bras l’un de l’autre dans une tragédie passionnelle de plus …

En conclusion, bien que trop long et souffrant d’un manque de rythme, « Duel au soleil » mérite amplement son statut d’œuvre culte, avec un ton incroyablement audacieux pour l’époque.

Outre le triangle amoureux parfait avec une belle femme au milieu de deux hommes dissemblables même si le mauvais garçon semble l’emporter sur l’intellectuel raisonnable, « Duel au soleil » est un incroyable ode à la liberté des femmes, doublé d’un grand message de tolérance à l’égard des populations métissées.

Si on ajoute à cela une interprétation de haut niveau avec un trio d’acteur légendaire avec une mention spéciale pour la beauté envoutante de la superbe Jennifer Jones et ses yeux bleus ciels, on comprendra aisément que « Duel au soleil » demeure malgré son âge vénérable, à voir au moins une fois dans sa vie pour tout amateur du septième art.

Duel au soleil (King Vidor)
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6 juillet 2014 7 06 /07 /juillet /2014 14:46
Rome, saison un, épisodes sept et huit (Bruno Heller, John Milius)

Poursuite de la première saison de la série Rome avec « Rome, saison 1, épisodes 7 à 8 ».

Dans l’épisode 7 réalisé par Tim Van Patten sur un scénario de David Frankel, le combat en Grèce entre Pompée (Kenneth Cranham) et César (Ciaran Hinds) pourtant en infériorité numérique tourne finalement assez rapidement en faveur de ce dernier, et contraint le proconsul de Rome à envisager une retraite vers l’Egypte pour reconstituer ses forces.

Mais Pompée vieillissant et vaincu est lâché par ses soutiens, notamment Brutus le fils adoptif de César qui entrevoit de se livrer au futur maitre de Rome.

Seul, le fanatique Caton (Karl Johnson) semble exiger la poursuite de la lutte à mort pour sauvegarder la République.

C’est donc esseulé et affaibli qu’il entreprend une marche désespéré vers le port d’Aménophis afin de gagner l’Egypte.

En chemin, Pompée et ses hommes font l’étrange découverte du duo Lucius Vorenus (Kevin Mc Kidd) et du légionnaire Titus Pullo (Ray Stevenson) tous deux miraculeusement rescapé du naufrage de leurs navires de guerre emportés par une tempête.

Affaiblis par le manque de nourriture et d’eau, les deux hommes n’ont du leur salut qu’à un radeau de fortune constitué des cadavres de leur compagnons et à la divine Providence qui les a fait recueillir par Pompée.

Une fois rétablis, ils comprennent assez vite à qui ils ont affaires, mais le fier Vorenus refuse de livrer le proconsul à César, tuant le guide qui lui propose de le capturer et préférant non sans obéir à ses inclinaisons républicaines, lui laisser sa liberté.

Du coté de Rome, l’insatiable Atia (Polly Walker) soupçonnant la défaite imminente d’un César malmené par son rival, manœuvre à présent pour faire intervenir sa fille Octavia (Kerry Condon) afin d’amadouer Servillia (Lindsay Duncan) et d’obtenir sa protection.

Le stratagème fonctionne au-delà de toute espérance puisque Servillia pourtant d’âge mur devient la maitresse d’Octavia.

Mais toutes ces manœuvres finissent par tourner court puisque Pompée est finalement trahi par ses alliés égyptiens et poignardé devant les siens sur la plage sur laquelle il venait d’accoster.

La mort du grand rival de César vient donc en principe clore la lutte pour le contrôle de Rome.

L’épisode 8 réalise par Steve Hill sur un scénario de William Mc Donald, prend place majoritairement en Egypte ou César se rue à la poursuite de son rival et apprend avec stupéfaction son assassinat qu’il estime indigne d’un consul.

César fait pression sur le pharaon Ptolémée XIII en réalité un simple enfant auquel est fallacieusement attribué des pouvoirs divins pour obtenir l’arrestation de sa sœur (t épouse) Cléopâtre (Lyndsay Marshal) qui prétend lever des troupes pour prendre la tête de l’Egypte.

Le but de César est double, tandis qu’à Rome, Marc Antoine contrôle la situation en surveillant les repentis Brutus et Cicéron (Davis Bamber), s’assurer de la mort de son rival et également de la stabilité de l’Egypte principale pourvoyeuse en grain de Rome.

Ptolémée et ses nobles jouent en réalité double jeu, faisant mine d’accepter la domination romaine mais refusant de livrer à César Cléopâtre qu’ils détiennent prisonniers dans le désert mais également le meurtrier de Pompée dont César veut pour le principe avoir la tête.

Flairant le piège, le consul envoie Vorenus qui a de peu échappé à la mort en raison de son laxisme envers Pompée et Pullo dans le désert pour retrouver Cléopâtre et prendre de vitesse les tueurs de Ptolémée fermement décidé à présent à éliminer l’encombrante aspirante au trône.

A ce jeu, Vorenus et Pullo se montrent plus habiles, liquidant les trois hommes envoyées pour tuer Cléopâtre et la ramenant par force à César.

En chemin la princesse lascive soumise à une intense consommation de drogue exige les faveurs sexuels de l’austère Vorenus qui refuse, laissant la place à l’extravagant Pullo.

Le but de Cléopâtre est en réalité plus politique, séduire César et lui donner un fils afin de s’assurer de la protection du nouveau maitre de Rome.

De son coté, César vient finalement à bout de l’armée pourtant nombreuse de Ptolémée, liquidant le petit pharaon, son encombrante cours et le romain meurtrier de Pompée qui lui a été lâchement livré afin de l’apaiser, en vain.

Taraudé par l’absence de progéniture mâle, César accepte l’offre de Cléopâtre, s’unit à elle et obtient un fils, peut être également de Pullo …

En conclusion, Jules César apparait comme le grand vainqueur de « Rome, saison 1, épisodes 7 à 8 », avec le triomphe sur Pompée, un ennemi légitime et encore redoutable bien que vieillissant.

Le nouveau maitre de Rome n’a pourtant pas l’occasion de jouir longtemps de son triomphe et transporte rapidement l’action en Egypte pour faire la connaissance de puissances locales qu’il parvient par un mélange de force et de ruse à maitriser.

Malgré ce background historique passionnant, la série continue de décevoir par son manque flagrant de moyens.

Ainsi la bataille pourtant légendaire entre Pompée et César est à peine reconstituée par quelques chocs d’une dizaine de figurants, et l’Egypte berceau du luxe et de la démesure, n’est ici que chichement représentée.

On est touché par la mort de Pompée, vieux général lâché de tous et donc soumis à la traitrise des lâches et peu séduit par le choix de Cléopâtre, mince jeune femme au look de garçonne qui ne parvient pas à rendre désirable ou voluptueux un personnage pourtant si riche en fantasmes …

Malgré ces défauts majeurs, l’intérêt suscité par la série justifie encore de découvrir les prochains épisodes qu’on imagine encore plus sensuels et exotiques …

Rome, saison un, épisodes sept et huit (Bruno Heller, John Milius)
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Published by Seth - dans Histoire
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