Pour changer des vieux groupes de dinosaures du hard rock, voici un petit coup de jeune avec Wolfmother jeune groupe australien ayant sorti son premier album « Wolfmother » en 2006.

Wolfmother est  un trio audacieux composé de Andrew Stockdale au chant/guitare, un grand escogriffe jugé sexy par ces dames, Chriss Ross à la basse/orgue et Myles Heskette à la batterie.

Wolfmother ou plus exactement comment faire du neuf avec du vieux et recycler (avec un talent fou) la musique des dieux des années 70, Black sabbath et Led zeppelin entre autres.

La pochette, superbe illustration d’(h)ero(t)ic fantasy illustrée par cette légende de Frank Farzetta, augurant du meilleur aussi est-ce avec empressement qu’on se cale « Dimension » entre les deux oreilles.

Le timbre de voix nasillard mais agréable de Stockdale à la Ozzy Osbourne frappe tout de suite et on est happé par cette fusion heavy et rock, rendant abordable la lourdeur originelle d’un Black Sabbath.

Le phénomène est amplifié avec « White unicorn » qui propose un surprenant voyage dans le temps directement dans la magie des années 70.

Cette musique lourde mais également énergique et festive donne une incoercible envie de bouger, de crier et de s’éclater.

Ces vibrations bénéfiques apparaissent sur l‘intense pilonnement  de « Woman » dont les délires intenses à l’orgue rappellent fugacement les Doors.

Mais la mère du loup sait aussi se faire tendre avec la ballade  « Where eagles have been » aux sonorités plus actuelles évoquant un croisement des White Stripes et de Led Zeppelin.

L’influence des White stripes se fait alors de plus en plus grandissante que ce soit sur le néo punk« Apple tree » ou sur le rock nerveux de « Joker and the thief » .

Puis Wolfmother enclenche à nouveau la machine à remonter le temps et revient à ses premiers amours sabbathiens sur le monstrueux « Colossal » aux rythmiques écrasantes de cette lourdeur divine.

Après cette pure giclée de lumière noire, on reprend ses esprits avec le plus calme « Mind’s eye » doté d’un clavier vintage omniprésent illuminant de grande envolées vocales.

Grosses rythmiques et claviers excentriques marquent les esprits sur « Pyramid » d’une insolente créativité.

Au bout d’une dixième titre, les forçats australiens lèvent enfin le pied avec le plus poussif « Witchcraft » qui recèle tout de même la particularité d’utiliser une flute.

Alors qu’on s’attend à un logique déclin, Wolfmother se reprend immédiatement avec l’excellente et moderne power ballade « Tales » débordante de classe puis sur « Love train » aux formidables riffs accrocheurs et festifs.

On termine ce festin de roi par une sympathique ballade acoustique « Vagabond ».

En conclusion, « Wolfmother » est la stupéfaction absolue, l’uppercut au  menton, le crochet au foi qui troue votre garde, et vous laisse sonné, abasourdi par le résultat forcément inattendu.

On se demande par quel miracle ces jeunes chercheurs australiens ont réussi ce clonage improbable entre le heavy metal des années 70 que je vénère (celui de Black Sabbath) , les quelques touches rock des Doors et le rock moderne des White Stripes, mais toujours est il que le résultat dépasse les espoirs des scientifiques les plus fous.

Véritable carton commercial, « Wolfmother » montra que le rock des ancêtres peut encore être populaire à la fin des années 2000.

Les esprits chagrins pourront sans doute souligner le manque de personnalité du groupe qui puise dans diverses et prestigieuses influences, mais ceci est fait pour moi avec tellement de talent et d’a propos qu’il serait idiot de bouder son plaisir.

« Wolfmother » ou l’album idéal pour s’éclater en écoutant du rock des années 70 sans passer pour un ringard !

Après les féroces Death angel, quelques envies de rock plus calme avec « In trance » des Scorpions.

Autant le dire tout de suite je ne suis pas et ne serais jamais fan de ce groupe mais ces dinosaures du hard rock aussi anciens que Judas priest méritent assurément un miminum de considération.

Avec sa superbe pochette évoquant une Claudia Schiffer aux frontiéres de l'orgasme avec une guitare, « In trance » sort en 1975 après deux albums d’estime influencés par le rock psychédélique, Rudy Lenners remplace Jurgen Rosenthal à la batterie, le chanteur Klaus Meine et les guitariste Rudolf Schenker/Uli Jon Roth formant toujours le noyau créatif du groupe.

On débute avec « Dark lady » mid tempo aux riffs accrocheurs rehaussées par quelques cris suraigus de Meine pour enchainer sur une ballade mélancolique « In trance » plutôt réussie.

Le style très fin et mélodique de Roth imprègne fortement les compositions comme la ballade blues « Life’s like a river » dont le titre n’aurait pas été renié par le philosophe Héraclite.

Tout ceci est bien beau, bien planant et un poil maniéré à l’image d’un « Top of the bill » qui ne parvient pas à accélérer franchement.

Les Scorpions nous assènent une autre ballade « Living and dying » une nouvelle fois bien comme il faut.

Le premier vrai titre rentre dedans est sans nul doute « Robot man » (le cousin d’Iron man de Black sabbath ?) qui déboule à toute vitesse sur un pur tempo hard rock mais l’embellie est de courte durée puisque deux autres blues « Evening wind » et « Sun in my hand » viennent à nouveau nous chloroformer.

L’album se termine dans la même veine rock blues-psychédélique avec « Longing for fire » et l‘instrumental « Night lights » parfaits pour s’endormir tard la nuit.

En conclusion, « In trance » n’est pas un album pour votre serviteur.

Le style du groupe, très mélodique et blues, est certes respectable mais provoque chez moi un suprême ennui.

Tout est en place et  bien exécuté, le toucher de Roth, la voix de Meine, mais manque singulièrement de saveur.

On aimerait être secoué, touché, bouleversé comme par le charme de quelqu’un qui n’est pas forcement physiquement beau mais qui demeure attirant par son imperfection et son charisme mais au lieu de cela on trouve avec « In trance » un beau et froid mannequin de plastique à la beauté figée.

Et si les Scorpions des années 70  était un groupe plutôt surestimé ?

Zoom sur la deuxième division du thrash metal avec Death angel, groupe californien ayant la particularité d’être entièrement d’origine asiatique, philippine plus précisément.

Ayant eu son heure de gloire à la fin des années 80, Death angel profite du revival de la scène et refait surface à la surprise générale en 2004 après 14 ans de mise en sommeil.

Petit miracle, le line up original est ici conservé prêt de vingt ans après les débuts et cette reformation donne naissance à « The art of dying ».

On appréciera l’effort mis sur l’artwork de la pochette, à la fois sobre, sombre et beau.

La galette débute par « Thrown to the wolves » longue pièce de plus de sept minutes d’un thrash old school rentre dedans aux refrains très efficaces.

La voix nasillarde et rêche de Mark Osegueda se cale parfaitement sur les rythmiques saccadées et puissantes des guitares de la paire Aguilar/Cavestany sur « 5 steps to freedom » qui compense une certaine linéarité par une intensité soutenue.

Alors qu‘avec « Thicker than blood » on s’apprête à rentrer dans une logique routinière et peu inspirée de thrash prévisible à outrance, l’ange de la mort surprend avec « The devil incarnate » longue pièce reptilienne évoquant un climat de sorcellerie et de menace larvée digne d’un Black sabbath des meilleurs jours.

Véritable bijou noir, « The devil incarnate » me fait curieusement penser à des trajets que j’effectuais très tôt le matin en voiture sur des petites routes désertes de l’Essonne dans un climat de brouillard fantomatique et de nuits hivernales en parfaite adéquation avec l’ambiance assez fantastique de ce titre.

On est également agréablement surpris par « Famine » aux forts relents de Metallica grungy période « Load-Reload ».

Retour à du thrash plus classique sur le basique « Prophecy » à la forte puissance de feu puis baisse de régime avec le laborieux punkoide « No » .

Les quelques variations mélodiques sur le chant de « Spirit » viennent diluer l’abrasive recette thrash habituelles des cuistots en chef.

Les refrains virils sur le très bourrin « Land of blood » contrastent avec un final plus calme composé de « Never me » qui mélange passages nuancés presque rock à des solides refrains thrash puis « Word to the Wise » superbe semi ballade acoustique ou la belle voix cassée de Osegueda couplée à des guitares pleines de feeling, parvient à faire passer un flot intense d’émotion.

En conclusion, « The art of dying » est une bonne surprise de vétérans d’une scène qu’on pensait oubliée à jamais.

Meme si la recette de base des américains est à la base beaucoup trop prévisible et linéaire à mes yeux, ceux-ci ont l’intelligence d’introduire d’étonnantes variations qui si elles ne révolutionnent pas la face de la musique aèrent leur thrash frontal pour en relever l’intérêt.

« The art of dying » est un disque astucieux capable de réaccrocher les fans de thrash des années 80 mais aussi par sa relative ouverture de capter un public plus adepte d’une certaine modernité.

Retour réussi donc pour Death angel qui recycle son bon vieux thrash pour faire du neuf avec du vieux.

Roman policier avec « La position du tireur couché » de Jean-Patrick Manchette.

Un peu à l’instar de Joël Houssin dans un genre différent, Manchette appartient à cette génération d’auteurs de polars à la française, d'un genre viril qui faisait fureur au début des années 80 et qui furent souvent incarnés au cinéma par Alain Delon, Jean-Paul Belmondo ou Lino Ventura dans des films de flics gros bras macho carburants aux gauloises et au whisky avant de faire tomber les jolies filles une fois les voyous forcément en cheville avec des politiques ripoux mis hors d’état de nuire.

Court roman policier, « La position du tireur couché » narre de manière classique les aventures d’un tueur professionnel appelé Martin Terrier mystérieusement traqué alors qu’il vient d’annoncer à son patron dénommé Monsieur Cox qu’il prenait sa retraite.

Cette traque un brin emberlificotée va nous emmener de Paris à … Paris après un bref détour dans un village du Sud ouest (Nauzac) ou notre antihéros tentait de renouer avec ses racines et son amour de jeunesse Anne, remariée depuis avec un notable forcément pas à la hauteur du tempérament explosif de l’héroïne.

Bien entendu, le tueur traqué va s’avérer avoir de la ressource et être capable d’éliminer les tueurs lancé à ses trousses notamment Claudia Rossi, la sœur d’une de ses victimes italiennes.

Après un dernier contrat en forme de faux attentat destiné à l‘éliminer, Terrier (dont suprême cliché le meilleur ami est noir !) se retourne contre son ancien patron dans un final en forme de feu d’artifice.

Mais la morale sera sauve et le tueur n'en sortira pas pour autant totalement indemne.

En conclusion, bien que relativement bien écrite, « La position du tireur couché » ne contient pas une intrigue suffisamment interessante pour me passionner.

Le personnage du tueur invincible à le froide efficacité mécanique ne peut pas pour moi générer de l’empathie et sa manière de traiter les femmes (notamment sa première petite amie Alex assassinée par sa faute) a de quoi irriter.

Outre ce fond qui m’a déplu, on notera une efficacité d’écriture et une très grande dose de violence avec des meurtres dispensés à grande échelle dans une grande sauvagerie.

A réserver donc pour les fans (pas trop exigeants ) de polars français à l’ancienne.

Après avoir connu une passe difficile dans les années 90 avec le départ de Bruce Dickinson et son remplacement par Blaze Bailey qui fut loin de faire l’unanimité, Iron maiden retrouve son chanteur original et sort au début du nouveau millénaire « Brave new world ».

Comme si le retour de Dickinson ne suffisait pas, les anglais réintègrent également Dave Murray ce qui porte à trois le nombre de guitaristes avec Jannick Gers présent depuis 1990.

Je vous ai déjà dit combien quelques fois on pouvait s’attacher à un disque qui vous rappelle une période de votre vie qu’elle soit heureuse ou malheureuse.

C’est le cas avec « Brave new world » avec une période plutôt heureuse de ma vie, rimant avec jeunesse, audace, soleil, liberté et surtout premier inoubliable concert des anglais à Bercy avec Slayer en première partie.

Difficile donc sans doute pour moi d’etre pleinement objectif mais autant s’atteler le plus dignement possible à la chronique de ce disque inspiré du roman d’Aldous Huxley « Le meilleur des mondes », preuve que les hard rockers lisent aussi (parfois) des livres entre deux cuites et deux virées en moto.

L’album tant attendu débute dans le bon sens avec « The wicker man » , titre single idéal en raison de son rythme rapide et de ses refrains entrainants.

Du travail impeccable de vieux routiers maitrisant leur art.

Changement d’ambiance avec « Ghost of the Navigator »  long et lent dont le thème maritime fait penser à « The rhyme of the ancient mariner » mis à part que ce titre plus modeste et équilibré réussit fort bien à émouvoir en raison des grandioses lignes de chant de Dickinson.

On retrouve le même type de construction longue et dense avec « Brave new world » que de magnifiques refrains épiques contribuent à enflammer et à élever au rang de classique puis avec « Blood brothers » également de bonne qualité bien qu’un cran moins prenant.

« The mercenary » tente de briser cette dynamique en insufflant plus de vitesse mais cet effet est immédiatement annulé par les neuf minutes de « Dream of mirrors » .

D’ordinaire assez réfractaire aux titres à rallonge, j’avoue avoir été capté par ce morceau complexe à l’ambiance progressive traversé d’épars passages plus puissants.

On se bouge un peu  avec « The Fallen angel » plus rythmé bien que très classique pour du Maiden avant de replonger dans une ambiance progressive néo orientale sur « The nomad » s’étalant également sur plus de neuf minutes.

Même si Iron maiden a déjà utilisé ce type d’influence par le passé  (« Powerslave » « To tame a land » ) , le chant haut en couleur de Dickinson rend formidablement et fait agréablement passer ce titre épique.

Inutile d’espérer des titres plus compacts et agressifs, cette tendance à la longueur et à la mélodie durera jusqu’au terme du disque.

Influencé par la science fiction, « Out of the silent planet »  demeure plaisant par ses refrains puissants martelés avant de lancer le dernier titre « The thin line between love and hate » sans doute le titre le moins marquant avec son ambiance rock progressive hyper mélodique.

En conclusion, bien que relativement atypique « Brave new world » marque un retour réussi pour Iron maiden.

Le style pratiqué est moins incisif et moins puissant que celui du heavy metal des années 80, les morceaux sont incroyablement longs, lents et truffés d’influences progressives mélodiques.

A priori ce style me rebute mais la qualité est ici au rendez vous et le chant exalté de Bruce Dickinson permet de conserver l’intensité nécessaire pour ne pas décrocher.

Iron maiden continuera par la suite dans ce style, avec selon moi moins d’inspiration et de réussite, finissant par se recycler lui-même, mais ceci est une autre histoire.

Mes souvenirs ne m’ont donc pas trahi, « Brave new world » est un très bon album de heavy métal adulte et intello.